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Tomás Sánchez

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(merci à mon amie Cuca pour ses éclaicissements sur ce peintre fascinant)

Tomás Sánchez s’expose largement au Musée des Beaux Arts de la Havane, section cubaine. http://visitesfabienne.org/wordpress/beaux-arts-cubains/L’artiste réinvente le paysage comme nul autre depuis Hokusai dans la grande vague de Kanagawa. Il peut rappeler aussi  les impressionistes francais ou les romantiques allemands du style Caspar David Friedrich. Sa peintures porte en effet sur l’immensité de la nature. Une dimension métaphysique la marque.

Formation d’un peintre hyperréaliste

Tomás Sánchez s’inspire d’abord des naifs puis des expressioniste. il emprunte à Brueghel, Bosh et  Goya voire Ensor. On voit ces influences  dans quelques toiles de ses débuts, au Musée des Beaux Arts de la Havane. L’artiste cubain, né en 1948 dans la province de Cienfuegos suit les cours  à l’Academie Nationale des Beaux arts de San Alejandro  à la Havane.  Auprès de Antonia Eiriz,  il commence dans la mouvance hyperréaliste, très liée au photoréalisme. Ces premiers pas le préparèrent au paysage.

Il utilise un langage très réaliste, une peinture très léchée, pour jouer avec les volumes et la perspective,. Il se rapproche ainsi du langage photographique. Son hyperréalisme ne s’intéresse ni à la ville, ni à l’homme ou pas directement ,mais à la campagne. Ses paysages intègrent des forêts exubérantes. Celles-ci ne paraissent pas être limitées par la toile. Des cascades, des paysages tropicaux lumineux, presque sereins illuminent ses toiles.

Tomás Sánchez utilise la photo comme point de départ mais sa vision intérieure et personnelle transforme le paysage en une métaphore sur l’homme. Il ne représente pas de lieux particuliers ou réels mais des paysages imaginaires composés de souvenirs sublimés de son enfance et frappants comme pour nous ouvrir les yeux. Ainsi, Il représente la nature comme une île gâchée sur laquelle il faut renaitre, île qu il faudrait proteger de ses habitants.

Un peintre de l’environnement

Ses tableaux empruntent à diverses techniques (huile, pastel, acrylique voire vitrail). Ils évoquent le sentiment cyclique du temps, le flux de la vie. La nature, délicatement taillée au pinceau, sert de refuge à l’homme menacé de décadence, d’apauvrissement spirituel. C’est ce que signifient les ordures, témoins du consumérisme et du superflu matériel dont les hommes remplissent leur vacuité. Sanchez peint des paysages d’îles qui s’ils paraissent répétitifs diffèrent en fait tous les uns des autres. Il s’est en effet essayé à des séries, à la manière des impressionistes : les Crucifix et les Poubelles. Il s’agit de variations sur un même thème. Les champs d’ordures se dressent en bord de mer comme pour opposer les déchets de l’humanité à la mer, source de vie. L’homme apparait ici comme antagoniste à la nature idéalisée et pure. Ces paysages a priori idylliques sont porteurs d’un questionnement sur la nature humaine.

Sa peinture se voit transformée par des inquiétudes d’ordre écologique et les paysages aux détails peints avec précision et minutie deviennent presque abstraits. Les nuages évanescents, éthérés travaillés en pastel, aquièrent peu à peu une vie propre devenant le motif central de la composition, Une palette infinie de bleus construit avec force la profondeur de ces nuages chargés de symbolisme. En effet, Sanchez réduit ses tableaux à trois composantes : nuages, mer, île. Ainsi,  l’homme apparait  insignifiant face à la magnificence de la nature. Le message est renforcé par les équilibres impossibles d’îles en apesenteur, les symétries arbitraires de ses paysages, la tension créée par le bord de mer conçu comme une ligne qui sépare le vide du trop plein.

Ses îles évoquent un message utopique, celui dans lequel l’homme vit en équilibre avec la nature, à la recherche de l’union avec le tout, en opposition au modèle consumériste vide notamment de spiritualité.

Une lecture rapide de son œuvre pourrait mener à l’interpréter comme une critique du monde capitaliste en opposition avec son île des merveilles…mais la lecture de ses îles flottantes offre surtout une vision écologiste et métaphysique où l’homme s’immerge dans la nature, seule salvation pour notre planète.

http://www.tomassanchez.com/

Murs peints de la vieille Havane

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Si vous aimez découvrir sous un angle différent, vous pouvez vous intéresser aux murs peints de la vieille Havane. Dès le 17e siècle les maisons de la ville rivalisent de fresques, à l’extérieur comme à l’intérieur. Ce devient même une mode. Beaucoup d’artisans interviennent mais tous ou presque sont anonymes. Il s’agit, pour la plupart, d’esclaves travaillant avec des pochoirs et sur le modèle de rares maitres européens en général italiens.

De magnifiques fresques coloniales

Les plus beaux murs peints de la Havane se trouvent au musée archéologique aujourd’hui inaccessible pour cause de restauration. Cette maison aux boiseries vertes, construite au 17es sur Tacon, s’est agrandie et surélevée puis unie aux maisons voisines, comme souvent dans le cas des maisons coloniales. De style colonial castillan, elle est l’une des plus emblématiques de la cité. Les trois maisons mitoyennes ont été reliées les unes aux autres et constitueront un jour un complexe muséal de prime importance. En attendant, il faut passer un grand portail autrefois destiné à laisser entrer les voitures. Apès une cour où s’abreuvaient les chevaux et où des latrines ont révélé de nombreux vestiges archéologiques, il convient de passer sous les échafaudages et entre les pots de peinture pour découvrir la décoration qui remonte aux années 1725. A l’époque toutes les parois s’ornaient de peintures, d’azulejos ou de peintures imitant les azulejos.

Une véritable Chapelle Sixtine coloniale

C’est au premier étage de cette maison que se trouve la pièce que les archéologues locaux appellent la chapelle sixtine de la Havane. Vidée de ses multiples occupants en 1980, le bureau de l’historien entreprit de la restaurer. Subdivisée en une multitude de logements isalubres, la maison hébergeait en effet des familles pauves. Celles ci s’entassaient dans les solares, créant des ouvertures dans les murs, ou les badigeonnant. Les archéologues ont alors restauré le bâtiment et sous les 27 couches de fresques abimées, ils ont découvert une ultime couche. Car depuis le 17e siècle chaque nouvel occupant redécorait à sa manière et sleon la mode.  La couche la plus ancienne était la seule a fresco, pigment pris dans le mortier humide. En revanche, les couches suivantes ont été peintes a secco, à sec , elle est donc la plus pérenne.

Ainsi, on a récupéré la couche ancienne qui représente des variations sur le thème européen des fêtes galantes avec des vues un tantinet idéalisées de la ville, et des adaptations locales : domestiques noirs, palmiers, la baie de la Havane stylisée avec un cayo, des religieux, un galion, des processions. On peut dater ces fresques de 1763/67 au moment où l’Espagne a récupéré Cuba après l’intermède britannique.

Une ville colorée

L’ensemble des bâtiments coloniaux de la Havane étaient donc peints. Ainsi les Palais de la place d’Armes, de la place de la Cathédrale (y compris la cathédrale). Ces peintures s’appliquaient en extérieur et en intérieur. Elles masquaient la  belle pierre conchifère issue de la barrière coralienne (et de la carrière sous St Francois d’Assise).

Les forts qui marquent l’entrée de la baie étaient eux peints aux couleurs de l’Espagne. San Salvador était  jaune, la Cabana rouge. Ce pour annoncer la couleur si l’on peut dire à tout bateau arrivant dans la baie…
On se rend ensuite à la Maison du Marquis des Arcs Place de la Cathédrale avec ses fresques 19e plus simplistes (et trop rénovées). .De là, on rejoint la rue Obispo et le musée de l’Orfèvrerie. Sa façade stuquées arbore des motifs imitant la pierre de taille. Cette maison devint un magasin au début du 20es. Ce qui explique les peintures publicitaires. L’étage recèle de jolies plinthes en trompe l’œil. On continue avec le musée des murs peints encore en travaux et qui recèle à l’étage de surprenantes bacchanales….

De là on rejoint la maison Guayasamin décorée par Jose Nicola de la Escala et ses charmantes grisailles en médaillons.

Puis on se rend sur Amargura à la maison Guzman au 56. Ses peintures géométriques aux motifs arabisants rappellent la religion du propriétaire. D’ailleurs les motifs figuratifs ont été grattés. Quasi en face, le bureau de l’historien de la ville révèle au premier étage un fantastique paysage à l’italienne. Celui-ci, très fin offre une perspective avec des effets de trompe l’oeil.  la nature morte au premier plan cache derrière une balustrade des ruines, feuillages d’arbres européens.

Un renouveau de la fresque

Les fresques n’ont pas dit leur dernier mot sur les murs de la Havane avec les visages d’enfants qui longent Miramar et Marianao, ou les paysages quasi fantastiques sur les murs oubliés….

Vous pouvez maintenant vous intéresser à ce jeune artiste, Maisel Lopez. Graffiste et portaitiste d’enfants, cet artiste redonne vie aux murs lépreux du quartier Buena Vista depuis 2015. Vous pourrez notament découvrir quelques uns de ses portraits gigantesques rues e 44 y 25 ou 41 y 70,

http://spanish.xinhuanet.com/2017-11/10/c_136740872.htm

https://cubanartnews.org/es/2017/01/12/el-arte-llega-a-las-calles-de-la-habana/

Toulouse-Lautrec de Montmartre à Bath

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Toulouse-Lautrec et les maitres de Montmartre est le sujet de la belle exposition du V&A de Bath. Le Grand-Palais a consacré sa grande exposition de l’hiver au même artiste.

https://www.grandpalais.fr/en/event/toulouse-lautrec

Nous avions prévu une  visite  et une introduction de l’exposition sur Toulouse-Lautrec dans un pub mais en raison de l’épidémie, je vous propose de la suivre sur mon blog.

Une exposition riche en grands noms de l’affiche

Si la salle du V&A est relativement petite, elle abrite néanmoins une belle collection d’affiches. Les grands noms de Montmartre s’y rencontrent. Nous voyons ainsi Toulouse-Lautrec, dernier héritier des Comtes de Toulouse, vanter les spectacles du Moulin Rouge et de ses danseuses et chanteuses. La Goulue, Yvette Guilbert, Aristide Bruant défilent sous nos yeux.

En effet, les artistes de Montmartre n’hésitent pas à dépeindre les filles de joie, les bourgeois encanaillés, les artistes. Mucha lui s’attache à Sarah Bernard. L’exposition nous permet également de nous intéresser à Bonnard,  Jules Chéret entre autres…

Quand Bonnard vante le champagne…

Ces artistes se font l’écho de courants picturaux novateurs. Si Mucha ou Chéret illustrent à merveille l’Art Nouveau, les aplats et silhouettes de Grasset empruntent au japonisme et au nabisme.

Ces lithographies évoquent une époque charnière du Paris de la toute fin du 19eme siècle.

Le Paris optimiste de la Belle époque

C’est en effet un contexte particulier qui voit fleurir ces affiches publicitaires. La période correspond à un âge d’or économique et politique marqué par la paix, la croissance et la stabilité de la troisième République. C’est aussi l’époque de l’apogée de l’Empire colonial français.  A la même période, la Reine Victoria règne sur l’Empire britannique.

Cette période est également marquée par de nombreuses innovations techniques comme la lumière, l’électricité ou le cinéma qu’illustrent nos affichistes. Les transports,eux aussi, se modernisent avec l’avènement de la petite Reine, l’automobile, les pneus.

Quand Toulouse-Lautrec vante la bicyclette, V&A Bath

Ces changements s’accompagnent de mutations sociales et de nouveaux modes de vie. Les affiches marquent la naissance de la réclame mais aussi du vedétarriat. Elles témoignent de l’avènement de la société de consommation. Notons par exemple les nombreuses affiches consacrées au chocolat.

Paris s’affirme alors comme un centre culturel influent avec des lieux de spectacles emblématique café-concerts, music-halls comme le Moulin Rouge, le Chat Noir.

https://www.victoriagal.org.uk/events/toulouse-lautrec-and-masters-montmartre

Léonard de Vinci et la France

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Né près de Florence en 1452, Léonard de Vinci est reconnu de son vivant comme l’un des artistes et savants les plus accomplis. Formé en tant qu’artiste à Florence, il part travailler comme ingénieur à Milan et sera appelé à la fin de sa vie en France, où il mourra, par le roi François 1er.  Il y laisse un héritage exceptionnel tant dans les collections que dans les esprits. Il est en effet considéré comme le père de la Renaissance française mais aussi comme l’incarnation de la Renaissance, voire comme un génie universel.

1/ Un savant exceptionnel et universel

L’observation au service d’une curiosité insatiable

L’œuvre créatrice de Léonard de Vinci part d’une observation attentive du monde environnant et des éléments qui le composent. Il s’agit de comprendre des fonctionnements, des phénomènes avant de chercher à les décrire tout en les perfectionnant.

Ses domaines de recherches sont très divers : anatomie, biologie, géologie, astronomie, mais aussi l’optique, la météorologie ingénierie, physique, mathématiques. Il accompagne ses observations de schémas d’une précision inégalée. L’aboutissement de cette recherche scientifique se retrouve ensuite dans son application artistique.

Ses constructions en France témoignent de son incroyable maîtrise technique

Chateau de chambord

Il considère la technologie comme un accomplissement majeur de l’homme. Il met au point toute sorte d’appareils dans tous les domaines. Il porte une attention particulière aux instruments de mesure (horloges, hygromètres, compas…). Il part de modèles existants qu’il s’efforce de perfectionner notamment pour mesurer le temps, maitriser les airs et l’eau. Pour chaque domaine, il s’appuie sur une parfaite maîtrise de la physique et des mathématiques et élabore des machines ingénieuses et novatrices.

II/ Un artiste sans égal

Cette connaissance scientifique n’est jamais une fin en soi et doit servir à une application artistique qu’il veut parfaite.

La peinture

Lorsqu’il entre dans l’atelier de son maître Verrochio vers 1467, il reçoit une formation centrée sur les arts de la peinture, de la sculpture et de la décoration. Il aborde tous les genres au cours de sa carrière. Cependant, on ne peut attribuer avec certitude qu’une quinzaine d’ouvrages à cet artiste car beaucoup ont été perdus, détruits ou sont restés inachevés. Le petit nombre d’œuvres sûres qui lui ont été attribuées suffisent tout de même à construire sa réputation de génie de la peinture.

Plus que la maîtrise de la composition géométrique, de l’affinement du contour, cette réputation se bâtit sur deux innovations qui marquent ses contemporains. La première concerne la manière de peindre les visages où Léonard de Vinci parvient de manière surprenante à traduire le sentiment, l’émotion et à faire percevoir l’indicible. L’autre innovation concerne l’arrière plan : il passe du dessin appuyé à ce que l’on nomme le sfumato (évanescent ou enfumé en italien) qui noie les contours de la scène dans la vapeur de l’air. Cette manière de peindre se retrouve particulièrement dans son œuvre maîtresse, Portrait de Mona Lisa (La Joconde), peinte en 1503-1505 et exposée au Louvre.

2. et le dessin…

Le dessin constitue l’apport le plus riche et le plus convaincant de l’artiste. Contrairement à la peinture, l’œuvre en dessins est d’une grande diversité : représentations d’instruments et de mécanismes, croquis spontanés et commentés, dessins appuyant des démonstrations mathématiques, esquisses préparatoires aux tableaux… Tous traduisent l’intérêt esthétique de l’artiste. Ses carnets par leur diversité témoignent d’un souci de l’esthétisme mais aussi d’une technicité exceptionnelle, ainsi que de fantaisie et d’originalité

3. Architecture et sculpture

D’ambitieux projets sont menés par Léonard de Vinci dans ce domaine. Il maitrise aussi bien l’architecture civile que militaire. Il projette et supervise des chantiers très variés : châteaux, travaux hydrauliques, canaux, aménagements portuaires, forteresses. Ce jusqu’à prévoir une cité idéale.

III/ Léonard, Homme de cour

La réputation de Léonard de Vinci mais aussi sa capacité à organiser et mettre en scène des fêtes somptueuses et son charisme personnel lui permettent de fréquenter les plus grands souverains qui l’accueillent à leur cour et lui offrent protection.

En Italie, la recherche d’un prince mécène et protecteur

Désireux de créer en toute liberté, Léonard recherche la protection des puissants. Après un séjour à Milan de 1482 à 1489 auprès du duc Ludovic Sforza, avant de retourner à Florence et devenir architecte militaire de César Borgia en 1502. A Rome il travaille pour Julien de Médicis, frère du pape Léon X.  A partir de 1506, il partage son temps entre Milan, où il est cette fois au service des Français. Partout, il fascine par son savoir, mais aussi son charme et par l’originalité de sa pensée.

Le protégé du Roi de France

Pendant les guerres d’Italie, François Ier est séduit par l’art italien et invite en 1517 son plus éminent représentant, Léonard de Vinci, auquel il offre tous les moyens matériels et le titre de « premier peintre, ingénieur et architecte du roi ». Il lui offre le manoir de Cloux. Face au château royal d’Amboise, qu’il transforme. Pour Léonard de Vinci, c’est l’occasion d’achever sereinement sa vie, « libre de penser, rêver et travailler ». Il devient un interlocuteur privilégié et admiré du roi et de la cour. Il y meurt en 1520 avec les honneurs dignes d’un souverain. Sa légende de génie universel, née de son vivant, se diffuse à travers la Renaissance avec un culte tout particulier en France où il rentre dès sa mort dans les collections royales.

https://www.louvre.fr/expositions/leonard-de-vinci

Léonard de Vinci est donc l’un des plus grands génies de tous les temps. À la fois artiste (dessin, architecture, littérature) et notamment peintre (La Cène, La Joconde…), scientifique (géologie, botanique, anatomie…), inventeur (projets de machines comme l’hélicoptère ou le sous-marin), il aborda tous les domaines de la connaissance et marqua son époque. Homme influent qui côtoya les puissants (parmi eux, François 1er), il est marqué par la philosophie humaniste. Tous ces aspects ont fait de lui l’Homme de la Renaissance. La France lui voue un culte tout particulier .

Banksy, enfant de Bristol

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Un nouveau Banksy est apparu la semaine dernière à Bristol (13 Février) et a presque aussitôt été vandalisé.Banksy l’a très vite revendiqué. Du coup, il a créé un mouvement d’enthousiasme et une fièvre spéculatrice. Cet épisode met en lumière le rôle de l’art en posant nombre de questions . En effet, à qui appartient l’œuvre d’art. En outre, celle-ci est-elle faite pour durer ou au contraire se répéter ou être détruite? L’artiste joue-t-il un rôle social? Dans ce cas, lequel et de quelle manière? Ces questions se posent particulièrement à Bristol qui se veut capitale du Street Art. http://visitesfabienne.org/wordpress/bristol-figure-de-proue-du-street-art

La dernière oeuvre de Bansky à Bristol date de la semaine dernière
15 Février 2020 : A peine terminé, le dernier Bansky déjà vandalisé, et protégé avec les moyens du bord…

https://www.bristolpost.co.uk/news/bristol-news/banksy-art-new-barton-hill-3862643

Banksy vient de repasser …

Car Banksy entretient le mystère sur son identité et son calendrier. Pour autant, à Bristol, chacun a sa petite idée. Ainsi, il est né en 1973 dans les quartiers pauvres et a commencé son activité de graffeur. D’emblée, c’est aussi un activiste dans les années 1990. Il se montre en ce sens tout à fait dans l’esprit contestataire local.  Il a affirmé sa notoriété dans les années 2000 à Londres puis aux Etats-Unis, en Palestine et même à Paris. Enfin, dans les années 2010, il est passé à la réalisation de films, tels Exit Through the Gift Shop 

Cet anonymat entretenu permet de se focaliser sur son œuvre et non sa vie.Ce qui permet de suivre chacune de ses apparitions murales, comme un jeu de piste géant. A Bristol, on compte désormais 10 œuvres. de sa main

 Mon idée n’est pas de livrer une exégèse, ni un itinéraire. D’autres l’ont fait avant moi. https://wandereroftheworld.co.uk/banksy-walking-tours-bristol/ Mais, je cherche juste à situer chronologiquement ces témoignages dans leur ville. Ainsi, l’idée est de mieux suivre l’évolution technique, des dessins à main levée et graffitis aux œuvres mixtes incluant des pochoirs (à l’exécution plus rapide) de plus en plus sophistiqués .

 Les thèmes restent critiques à l’égard de la société et de la politique, voire de l’(in)humanité. Le traitement en est souvent humoristique, (im)pertinent avec des motifs récurrents de singes, soldats, enfants, personnes âgées et rats.

Il était déjà passé par ici…

Les premières œuvres datent des années 1990 et sont composées de dessins peints à main levée et de graffitis. On peut ainsi découvrir Take the money and run, en collaboration avec Inkie. Autre œuvre collaborative, de la même époque, Chat et Chiens.

Take the money and run, tout juste nettoyé.

– En 1997 « Mild Mild West« .C’est la première œuvre connue. Elle recouvre une publicité pour des avocats. Pour la première fois sont associés le dessin et le pochoir. L’ourson dessiné représente les gens du quartier de Stoke Croft. Le pochoir lui représente les forces armées. Cette oeuvre recourt également le graffiti de la signature et du slogan ironique.

Mild Mild West, la reconnaissance pour Bansky dans sa ville de Bristol

– dans les années 2000 Rose on a mousetrap, montre une rose coincée dans un piège à souris, elle aussi signée.

Dans une petite rue de Bristol, une oeuvre émouvante signée par Bansky

-En 2003 , le Gorille maqué malheureusement effacé en 2011 par le propriétaire du bâtiment (un centre culturel musulman) mais renettoyé (peu visible)

-2003 The grim reaper  .peint au pochoir sur le bateau Thekla, déposé par le Conseil Municipal puis repeint. (on peut le voir au M Shed)

the Grim Reaper, maintenant au Musée de Bristol M Shed

Mais aussi par là…

– En 2006 « Well hung lover » sur l’infidélité, pas seulement conjugale mais professionnelle. Ce serait une critique de son agent et de la ville. Au moment où Banksy travaillait sur son échafaudage, la mairie, de l’autre côté de la rue, était en train de statuer sur l’illégalité ou non de son œuvre. Plébiscitée par les citoyens elle est une de ses œuvres les plus emblématique et visible dans Bristol.

Bien en vue, dans le centre de Bristol, l’oeuvre de Bansky a néanmoins été vandalisée.

-. Juin 2009, l’Exposition Banksy vs Bristol Museum  au musée de Bristol avec plus de 100 œuvres dont des installations. Au musée, reste l’ange au pot de peinture et l’été dernier étaient exposés les membres du Parlement : des chimpanzés « singeant » les MP. Cette toile a été  vendue en 2019 pour une somme record de £9.9 million .

– 2011 Planning permissions renoue avec le graffiti

2014 The girl with the pierced eardrum. Il explore la peinture classique au moyen de pochoir adapté au support (la bouche d’aération en guise de perle). De la même année datent les amoureux au téléphone mobile vendu par un particulier pour lever des fonds. Cet épisode a lancé une controverse sur le droit de propriété de ses œuvres et le vandalisme ;

Vermeer repris par Bansky, sur les quais de Bristol

-2015 (Aout/Sept) parc d’attraction Dismaland à Weston Super mare

-2016 Girl with the stick (dans une école)dessin naïf et pochoir en remerciement pour avoir nommé un bâtiment de son nom.

Et oui c’est bien lui !

–Enfin, le 13 Février dernier, pochoir representant une petite fille tirant à la catapulte sur des fleurs et feuilles rouges collées.

https://visitbristol.co.uk/things-to-do/banksy-walking-tour-p1354013

Cette dernière, vandalisée dès le lendemain a attiré  une nouvelle fois l’attention des médias sur la difficulté de protéger une œuvre créée dans l’espace mais aussi sur l’appartenance. Le propriétaire de la maison, ravi au matin de la découverte de se voir doter d’un cadeau de plussieurs millions de Livres, se montrait désemparé dès le lendemain devant l’inertie des pouvoirs publics. Dans un pays libéral et peu concerné par les notions patrimoniales, comment conserver, faire classer, protéger, aménager pour un simple citoyen d’un quartier défavorisé ? A l’heure qu’il est, de riches collectionneurs outre-atlantique se sont déjà manifesté pour résoudre ce dilemne…

Bristol, figure de proue du Street Art

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Pour faire suite à mon dernier texte où je m’intéressai aux origines du Street Art, je voudrais revenir sur le cas de bristol. En effet, la ville devient une figure de proue de cet art des rues.

http://visitesfabienne.org/wordpress/street-art-de-la-contestation-a-la-gentrification/

Des graffitis pour dénoncer

Depuis l’époque du commerce triangulaire, la ville se divise en quartiers résidentiels, sur les hauteurs de Clifton. Mais aussi en zones plus déshéritées le long des quais et dans les quartiers bas et Est. Ces zones étaient traditionnellement industrielles et marquées par la contestation.

 En fait, les graffitis dénonçant les inégalités sur les murs se sont transmués en un art de rue de plus en plus reconnu. Ce, grâce à l’action conjuguée de deux phénomènes.

Des murs porteurs de message…

La ville des graffeurs

A la base de l’extraordinaire vitalité du Street Art Bristolien, on trouve un cocktail mêlant l’esprit rebelle de la ville,  une scène musicale underground particulièrement active. Mais aussi l’apparition des peintures en aérosol. Enfin, on peut mentionner la présence exceptionnelle de personnalités originales.

Au début des années 1980, Robert del Naja  marque les murs de son empreinte avant de se tourner vers la musique au sein de son groupe Massive Attack.

https://www.independent.co.uk/arts-entertainment/music/news/banksy-robert-del-naja-massive-attack-art-who-is-he-identity-real-name-graffiti-music-similarities

Apparait alors Bansky, dont certains prétendent qu’il est la même personne. Bansky puis Inkie apportent la notoriété à Bristol. Et avec eux, une foule de jeunes talents se révèle à elle-même.

https://www.bristolpost.co.uk/news/bristol-news/old-video-surfaces-banksy-painting-1944146

La prochaine fois je vous emmènerai à la découverte de quelques graffeurs locaux

Quelques étapes dans la créativité à Bristol

Quelques jalons nous permettent de comprendre l’importance prise par le Steet Art sur la scène de l’art mais aussi dans l’économie de la ville :

– D’abord en 1998, The Walls on Fire marque l’apparition médiatique de Banksy

– Puis en 2009, L’exposition Banksy Vs Bristol au Musée des Beaux-Arts, avec plus de 300,000 visiteurs payants montre l’intérêt du Street art et renforce le positionnement de Bristol.

– Surtout, en 2011 : Le Festival See no Evil, évènement d’une semaine organisé dans toute l’Angleterre à l’occasion des jeux Olympiques de Londres affirme la notoriété des graffeurs. Le nom renvoie aux singes qui ne voient, n’entendent ni ne parlent, référence explicite aux artistes de rue dénoncés auprès de la justice.

Nelson Street

https://www.telegraph.co.uk/culture/culturepicturegalleries/8711647/The-See-No-Evil-graffiti-project-in-Bristol-Britains-largest-street-art-project.html

Le soutien des autorités

Mais si Bristol est devenue une figure de proue du Street Art, c’est aussi grâce à l’engagement de la ville. La municipalité a en effet vite compris l’intérêt qu’elle pouvait tirer de ses oeuvres véhiculant des messages sociaux voire politiques.

Sur le modèle réussi de Melbourne, le conseil municipal aidé d’artistes locaux reconnus, tel Inkie, financé par des donations privées, et soutenu par les commerçants et propriétaires riverains lance un grand grand festival Street Art. L’idée est de redynamiser une rue sinistre, la rue Nelson en plein centre-ville.  Les bâtiments (jusqu’à 10 étages) sont peints par des artistes venus du monde entier et revitalisent cette zone désertée. La ville considéra ce projet comme un tremplin pour régénérer la rue et la transformer en attraction touristique…Pari tenu et réussi !

Nelson Street

Depuis 2013, Bristol accueille le plus grand Street Art festival, Upfest (Urban Paint Festival) dans le quartier de Bedminster avec 300 artistes du monde entier et 30,000 visiteurs. Hors une interruption en 2014, le festival grossit chaque année.

Upfest en ligne…

En 2020 il promet de nombreuses têtes d’affiche, des créations in situ dévoilées au cours du week-end (30 Mai/1 Juin). Le tout accompagné de musique live et bien sûr, Royaume-Uni oblige, de stands de nourriture et de boissons.

https://www.upfest.co.uk/page/upfest-festival

Street Art de la contestation à la gentrification

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Le Street Art est à la mode… Mais qu’est-ce que le Street Art ?

Des murs de Pompéi à Kilroy…

Les sites internet en français peinent à traduire l’histoire à la fois ancienne et très récente des graffitis et du Street art. Si la contestation sur les murs remonte à l’organisation même des cités, le passage de cette forme d’expression publique à un art remonte selon les sources anglo-saxonnes à la seconde guerre mondiale et au « Kilroy was here », une esquisse en forme de Shadock attestant du passage des G.I. C’est surtout l’invention de la peinture à la bombe, dans les années 1950, qui explique la mutation du graffiti le plus souvent contestataire, simple signature (tag) , ou message plus complexe aux décorations du métro new yorkais dans les années 1970, à un art de rue plus sophistiqué. Comme souvent, le progrès technique est à l’origine de nouvelles formes d’art.

https://www.waymarking.com/waymarks/WM4F0R_Kilroy_Was_Here_World_War_II_Memorial_Washington_DC

En effet, dans les années 80, les tags géants laissent la place à des créations conceptuelles telles celles de Keith Haring ou Jean-Michel Basquiat.  D’emblée, les Street artists (puisque le terme français d’artiste de rue ne signifie pas du tout la même chose, je suis obligée de rester sur la dénomination anglophone) affirment leur opposition à l’institution muséale, reprenant en cela la volonté meurtrière (musicide ?) des futuristes italiens des années 1910. L’idée étant d’ouvrir l’art à tous, il faut bannir ce qui les isole.

Pour mieux comprendre l’histoire du Street art, je vous propose ce Ted Talk

https://ed.ted.com/lessons/a-brief-history-of-graffiti-kelly-wall

Contestataire, rapide, éphémère…. l’impermanence du Street art

Aujourd’hui, le Street art s’est affirmé comme un art à part entière mais caractérisé par un message souvent protestataire politiquement ou socialement. S’il exprime le plus souvent les tensions du moment, il a gagné dans sa dimension esthétique mais aussi technique puisqu’il recourt aussi bien au pochoir, qu’au dessin à main levé, aux installations, aux collages, à la mosaïque Toutes techniques qui, préparées, peuvent être déployées rapidement pour surprendre mais pas forcément  durer. Choquante, interdite, illégale, la protestation ne tient pas toujours longtemps.  Jalousée, critiquée, dénoncée, elle peut être effacée, recouverte du jour au lendemain.  Cette notion même de fragilité offre paradoxaleme aux œuvres leur éphémère notoriété

 Mais déployé dans un espace public, le Street Art pose des problématiques nouvelles sur le statut de l’artiste et de son art, comme celle de la propriété des murs, de l’œuvre elle-même, des droits mais aussi sur la commercialisation de l’œuvre et sa pérennité, sa protection. Inscrites dans un espace libre et non protégées, ces créations sont en effet sans cesse menacées de destruction.

The Rose trap, un Bansky protégé par une vitre mais attaqué par la moisissure..

Vers la gentrification

Pourtant, alors que le Street art est de plus en plus reconnu, les artistes de plus en plus célèbres il trahit ses origines et ses objectifs. Contestataire à l’origine, considéré comme un acte de délinquance, le Street art est en passe de gentrification et est de plus en plus apprécié et respecté à défaut d’être approuvé par le législateur.

Take the money de Bansky, recouvert puis nettoyé

Ce qui pose d’autres questions sur l’œuvre et son créateur : l’artiste se dévoie-t-il de sa mission contestataire initiale s’il se met à vendre ? Le Street art est-il une atteinte à la propriété d’autrui ou permet-il de donner une meilleure visibilité ? En effet il permet d’améliorer certains quartiers, bâtiments, ce qui le rend acceptable voire souhaitable au titre d’embellissement de l’espace public.

Captain Jamaica à la rescousse du quartier en péril de Saint-Paul, Bristol

On est passé du vandalisme à la reconnaissance, et le même public autrefois choqué, suit maintenant à la trace les dernières « œuvres ». Les artistes deviennent les guides de ce qu’on leur reprochait comme acte de délinquance. Et leur reconnaissance tient paradoxalement à leur marginalité. Tel Bansky dont l’invisibilité tient lieu de visibilité. Son anonymat aiguise la polémique.

Pour mieux appréhender le phénomène, comprendre comment travaillent les Street artists, mais aussi voir combien ils se jouent du marché de l’art, je vous conseille l’excellent (faux) documentaire

 Exit through the gift shop http://www.banksyfilm.com/

La peinture française en danger a la Havane

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Au secours ! La peinture francaise est en danger !!!!!!

 

Au secours, la peinture française moisit au Musée des Beaux-Arts de la Havane !

http://visitesfabienne.org/wordpress/beaux-arts-cubains/musee-des-beaux-arts

Le Musée des Beaux-Arts

Au 3e etage du magnifique palais asturien qui abrite les collections d’art universel  un drame en effet est en train de miner le patrimoine francais de la Havane. L’absence d’air conditionné  craquèler et fait pourir des tableaux emblématiques de notre XIXe francais. Les champignons pullulent et les gardiennes se lamentent…

Que faire ???

Si le manque d’éclairage ou au contraire les spots brûlants, la moisissure ne s’attaquaient qu’à des œuvres secondaires je ne pleurerais pas.  Que disparaissent les pompiers et troubadours ! Que Bouguereau si apprécié par la bourgeoisie Havanaise des années 1920 moisisse !

Mais  l’Ecole de Barbizon est en péril également ! Corot) se couvre de mousse. Les épaules disproportionnées du ravissant portrait d’officier  d’Ingres  disparaissent sous les taches d’humidité. Le joli Greuze, et les deux Vernet (le marseillais pas celui du Templete) s’effritent.  Le beau tigre de Delacroix  moisit. Et surtout  un extraordinaire Courbet, un peu à contre jour : la vague se couvre de moisissure.

La Vague, un chef d’oeuvre en danger

Au cours de l’été 1869, Courbet s’installe à Etretat, petite ville normande où Delacroix, Boudin ou Jongkind sont déjà venus peindre la mer. Inspiré par la fameuse estampe de Hokusai (1831) l’artiste  y donne une vision intense de la mer orageuse, tourmentée et inquiétante, traduisant la puissance sauvage des forces naturelles le tout travaillé au couteau dans une matière épaisse.

Courbet, chef de file de l’ecole réaliste, connu pour ses œuvres fortes (l’Enterrement à Ornans, l’origine du monde) offre une vision plus classique et construit son tableau en trois bandes horizontales : le rivage, les flots traités dans une gamme vert sombre relevée du blanc de l’écume et le ciel chargé de nuages. Au Salon de 1870, les toiles de cette série  ( exposées dans les musées de Francfort, d’Orsay, de Lyon, du Havre….) assurent la notoriété du peintre.

Pour en savoir plus

EXPOSITION TEMPORAIRE ¡ Hasta siempre ! Ajaccio … – Musée Fesch

www.musee-fesch.com/…/musee…/DP %20CUBA%20-%20Palais%..

Fusterlandia

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Fusterlandia ou comment un quartier entier renaît grâce à un artiste.

Le quartier de Jaimanitas, ancien quartier délaissé de pêcheurs, est en passe  de devenir l’un des hauts lieux de l’art à la Havane. Ce, depuis que Jose Rodriguez Fuster, l’un de ses habitants, artiste céramiste, s’est mis en tete de le redécorer.

Un homme redonne vie à tout un quartier

Depuis 25 ans, sur ses propres deniers, cet homme de 7o ans, tout d’abord seul, tapisse les maisons et rues de son quartier de fragments de carreaux de faience souvent ramenés de l’étranger.

Le projet Fusterlandia englobe aujourd’hui près de 150 maisons. Il étonne d’autant plus qu’il a été initié pendant « la période spéciale en temps de paix », ce joli euphémisme pour qualifier les années 1990 où Cuba a traversé une crise économique sans précedent.

Ainsi, ce projet, artistique et décoratif du à la perséverance, au talent et à la générosité de son auteur visionnaire, est devenu un véritable projet économique créateur d’emplois. Directement puisqu’il attire des admirateurs. Et indirectement par la vente de souvenirs. Mais c’est aussi un projet social. En effet, il intègre la population locale, la forme et lui fournit emplois et lieux de vie et de partage.

Une licorne fontaine

Une notoriété croissante

Le quartier déshérité, replié sur lui même, s’ouvre de plus en plus. Il est en train de devenir un lieu très attractif de la capitale. On le devine en passant sur la 5e avenue. Là, des arrêts d’autobus colorés et aux formes enchevetrées rappellent un peu Gaudi, l’une des références.

Pour en savoir plus sur Fuster et son rêve : https://www.youtube.com/watch?v=URfcssOpEPU

On peut commencer la visite par la maison de l’artiste. Cette extraordinaire création colorée n’est aps sans rappeler Gaudi bien sûr mais aussi Nikki de Saint Phalle. L’artiste se réclame de l’héritage du célèbre catalan. Les couleurs et formes des animaux imaginaires évoquent quant à eux la compagne de Tinguely. Puis vous pouvez flâner au gré du quartier pour y découvrir l’exubérance colorée des mosaïques.

https://www.youtube.com/watch?v=nlotrtoyQeY

La maison de l’artiste se visite et vaut vraiment le coup d’oeil(tlj 9h30/16h30 sauf éventuellement l’heure du repas calle 226 y 3a.

Beaux-Arts Cubains

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Edouard Laplante, vue de la Havane

Pour les Beaux Arts cubains, on initia un musée en 1913 et on construisit en 1954 un bâtiment de style rationaliste. La collection s’enrichit à la Révolution.  Ce musée abrite des collections universelles ( dans l’Ancien Centre Asturien en restauration) et les collections des Beaux-Arts cubains de l’époque de la colonie à nos jours.

http://www.lahabana.com/guide/museo-nacional-de-bellas-artes-the-cuban-collection-edificio-de-arte-cubano/

Museo Nacional de Bellas Artes – Edificio de Arte Cubano

En entrant, se retourner pour voir la mosaïque puis se diriger vers le guichet. Les photos et les sacs sont interdits. On commence la visite par le 3e étage (rampe au fond du patio.) Commencer par les salles d’art colonial (dont l’intérêt est essentiellement documentaire) sur la gauche.

Les débuts de la peinture cubaine

Dès l’origine de la colonie, les beaux-Arts cubains sont sous influence européenne. Au XVIIIe, l’esthétique baroque s’affirme tant dans l’architecture (façade de la cathédrale) que dans la peinture. On peut aisi admirer le portrait de Don Luis Ignacio Caballero maire de la Havane, 1802 par Juan del Rio.

Au XIXe, Cuba se transforme en une colonie de plantation avec une nouvelle classe dirigeante aux cotés des puissants propriétaires terriens : la bourgeoisie créole représentée par Vicente Escobar lui-même métisse.

Le néo-classicisme d’origine française s’impose à Cuba avec la première école d’art créée en 1818 par JB Vermay (et non pas Horace Vernet…..mais élève de David). Le dessin devient plus précis et sobre, le fond neutre.

On voit aussi se développer le paysage Hippolyte Guarneray (vue du Paseo) ou Edouard Laplante et son beau panorama de la Havane. Apparait alors le costumbrisme, œuvre de bons dessinateurs, connaisseurs de la couleur et de la technique et observateurs sagaces comme Joaquin Cuadras.

La peinture du XXe siècle

Au XXe, la Havane devient une ville cosmopolite, ouverte (les murailles sont abattues) dotée de nouveaux bâtiments, hôtels, avenues….Les jeunes créateurs s’orientent vers le romantisme et le symbolisme. Les sujets historiques et mythologiques remplacent les tableaux religieux. Portrait et paysage restent importants. Dans la salle Menocal-Romanach,  on découvre deux artistes décisifs : l’Embarquement de Colomb de Menocal et portraits de Romanach.

Avec le XXes, on aborde l’art moderne local ou avant-garde cubaine (porte de droite sur le palier). Cette avant-garde suit les courants européens et new yorkais avec un léger décalage. Les thèmes restent académiques, mais avec des réferences cubaines (paysages, colonisation…)

La Gitane tropicale

Victor Manuel  Garcia  peint le tableau le plus célèbre de la peinture cubaine la Gitane tropicale ou Joconde cubaine. En 1932 il revient alors  de Paris et s’inspire manifestement de Modigliani et l’École de Paris. Les Guajiros de Eduard Abela Villareal en 1911, proposent une vision très romantique, folklorique voire humoristique des paysans. Antonio Gattorno lui tire son influence de Cezanne et de Gauguin pour créer une identité créole loin des modèles coloniaux espagnols. Faute d’éléments indigènes, les peintres cherchent à créer des racines nouvelles. 2 tableaux de Marcello Pogolotti remontent à 1937 et montrent l’influence cubiste, et surtout futuriste. Ils témoignent d’une préoccupation sociale, existentielle dans une période de modernisation et d’industrialisation de l’ile.

La période révolutionnaire

Un petit couloir mène à une salle où sont exposés les Guajiros Expressionistes de Carlos Enrique. En, 1938 il donne une vision d’horreur des conditions de vie. Sur le mur opposé, on découvre une des premières femmes peintres de Cuba Amelia Pelaez, post impressionniste aux influences mêlées adepte de la couleur et des aliments architecturaux locaux. (vitraux).Il y a là une créolisation de la peinture.

On passe alors dans la salle consacrée à Wilfredo Lam, le grand peintre cubiste cubain proche de Picasso mais aussi des surréalistes francais dont la peinture intègre de nombreux éléments liés aux cultes afro-cubains. Puis on rejoint les galeries extérieures avec Portocarrero, autodidacte aux multiples influences (de Schiele à Dubuffet…).La visite de cet étage se clôt sur un tableau de Mario Careno qui dans la naissance des nations américaines, reprend les 3 Grâces de Rubens à la sauce créole.

Le 2e étage aborde la peinture de la période de la révolution marquée par les tensions avec les Etats Unis puis les changements socio-économiques et politiques. Elle rend le désespoir, la violence puis la libération des moeurs. Les artistes s’inspirent des mouvements nord americains comme Raoul Martinez très pop art. Les années 1990 avec la crise economique voient s’affirmer un art pauvre créatif, (Alexis Leva Machado). Les dernières salles offrent une intéressante vision de l’appropriation par les artistes des évenements et de la lecture de l’histoire

http://visitesfabienne.org/wordpress/tomas-sanchez-peintre-dans-les-nuages-specialiste-des-iles-flottantes/